展覽地點：世貿一館 台北收藏交易中心 信義路五段5號M層
購票方式：展覽期間現場購票、Accupass活動通
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｜單人限量早鳥票350元：6/20～7/12 憑票入場。
｜單人票500元：6/20～7/12 憑票入場。
｜VIP票（VIP專屬，只送不賣）：6/15～19 憑票預約入場。6/20～7/12 憑票入場。
曾幾何時，從街頭藝術衍生出的 Urban Art 也漸成為年輕創作者心儀的創作方式，而它也成為年輕藏家期待的逸品，這可以說是一種對於現當代藝術挑戰，但它所衍生出的「潮流」，也不容小覷。
相較於傳統藝術乃至於現當代藝術，另一類型的藝術創作模式也在上演，它是Urban Art，你可以稱它為城市藝術，是一種創作於公共場域下的視覺藝術。這種與傳統藝術創作場所有很大不同的「藝術狀態」，因願意與公眾直接交流，不受限於正規藝術界的限制，加上這類藝術家常會在作品中注入社會議題、審美價值等內容來吸引關注，透過藝術挑釁（art provocation）來成就藝術創作的另一種形式；而也因為他們的高度曝光，創作者獲得大量文化追隨者的追蹤，甚至從傳統認知的街頭對抗型創作模式過渡到主流藝術類型，甚至與商業進行跨界合作。也因為它們與「傳統認知」有些差距，呈現出的藝術展現形象也更多元而活潑，展示出社會藝術的多元光譜。
今年6月份，在台北就有一場這樣的盛宴，台北收藏交易中心主辦「Now & Future 2020 當代潮流藝術展」，現場收羅了包括Banksy，與精品品牌深度合作的KAWS、村上隆與現代潮流藝術大匠，及Hernan Bas、Tony Toscani、Koh Sang Woo、Emre Namyeter 等新星的作品，他們代表了Urban Art的不同世代，在商業與社會思維間的拉鋸也更為清楚而犀利，作品的呈現也是直接而生動，的確值得關注與正視。
本次展出的作品都相當具有Urban Art經典特色，大多數都相當讓人驚艷，當代潮流藝術大匠像是以塗鴉起家、卻因一系列擁有XX眼睛公仔「COMPANION」而聲名大噪的KAWS，其作品《Uniqulo》融合了他近期與品牌合作、造成搶購的UT，以及最著名的公仔與頗具風格的塗鴉，可以說是相當具有KAWS風格的創作；或是曾被紐約雜誌以美國知名畫家 Maxfield Parrish作為比較，連續5次獲得Eisner Awards (艾斯納獎），曾為美國DC漫畫封面的畫家，也是堪稱為美國當代最著名的插畫家的台灣籍藝術家James Jean，其作品帶著繁複線條參雜神話、浮世繪與文藝復興元素，華麗但帶點詭異又神秘的作品風格，他與 John Vanderslice的故事合作系列創作《Penelope and the Succulent》，也是本次展覽可觀的精彩作品。至於與精品長期合作，以「超扁平」、「幼稚力」等字眼，把日本御宅族熱愛的漫畫、電玩和卡通動畫和日本特有的情色文化不羞澀地放大的日本藝術家村上隆，在Now & Future 2020也有經典作品—一組十張的版畫《We Are The Square Jocular Clan》。
至於未來潛力新星，也在本展上頻有佳作。像是實現了史詩浪漫的人性化、受到歷史題材繪畫作品及同時代影像作品的影響的Hernan Bas，其作品的表現力及親和力，不但令人聯想到經典電影的戲劇化敘述手法，他潛心鑽研高度誇張的社會景觀表達方法，也很有小說與影像作品的氛圍，融合了歷史和神話敘事文學、哥德文化以及年輕時尚潮流等元素，具有一種成熟的敘事性，這次展出的《The Gourd Nest Hanger》可以說是他的精彩作品之一；或是長於負片效果的韓國攝影藝術家Koh Sang Woo，利用數位影像技術呈現藝術家的「色」、「光」、「形」的具象畫抽象創作，呈現攝影與藝術之間的互補關係，本次展示的創作《Artist》、《Psychology of Love》與《Monologue》，都可說是他的經典代表作。
這次展覽呈現的「年輕化」不但在創作者的創作思維與更具風格性的藏家身上展現，「虛實整合」的網路藝術品交易平台也是屬於當代Urban Art的一環。由於藏家與藝術家均相對地年輕，相較於目前藝術收藏市場主力買家相比，新興藝術收藏家更懂得利用網路，特別是社群媒體找尋他們喜好的藝術家與藝術品，並且還懂得用社群媒體來與藝術家互動；這群新興世代收藏家熱衷於快速變化的網路世界，間接地也影響了目前藝術市場的節奏，透過網路這個無遠弗屆的媒介，愛好科技的年輕族群甚至是擴大市場占比都有相當幫助，年輕族群透過指尖從網路操作，讓藏家在任何時刻競標他們喜愛的藝術品。本次主辦單位透過ARTZDEAL.com網路交易平台進行藝術品交易，而這也成為2020年Covid-19疫情下的意外轉折，Now & Future的收藏者在科技平台應用上，的確也在這些面向上展示了不同的思維，相當有趣。
1974 年出生於美國新澤西的 KAWS，畢業於紐約知名藝術學院 School of Visual Art。一開始他只是把那些路邊的 CK 和 DKNY 的海報塗上自己的招牌 XX 圖案，沒想到這些惡搞不但沒被指責，反而大受歡迎、被廣為流傳，他也因此開始走紅。至於為什麼是 XX 呢？KAWS 在接受訪問時曾回答，在他的塗鴉生涯初期是以文字塗鴉為主，因此他想用簡單的形式保留這個特色。隨著名聲越來越響亮，KAWS 開始把作品拓展到海外，從東京、倫敦到巴黎，世界各地都能看到他的塗鴉蹤跡，全球儼然掀起了一股 KAWS 風潮。
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這位總是以班克斯的名字落款的英國街頭藝術家，憑藉一系列出類拔萃的作品被公認為世界頂級塗鴉大師，但自從14歲開始塗鴉至今，他卻從未在公眾面前公開過自己的身份、長相。到底是誰一夜間在倫敦街頭留下那些精彩絕倫的塗鴉？始終是個謎。即便如此，他的作品卻在拍場上創造著動輒數十萬英鎊的高價。
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Daniel Arsham，1980 年出生於克里夫蘭，在邁阿密長大，當初會來到紐約，是因為他想進入紐約傳奇藝術學院 Cooper Union 就讀，當然他也如願畢業，並在 2007 年與同窗 Alex Mustonen 共同成立了設計工作室 Snarkitecture。
雖說 Daniel Arsham 有著藝術家、設計師..等多重身份，但小時候他一直覺得自己會成為一名建築師，而 1992 年，颶風安德魯重創美國，Daniel Arsham 的家也是受災戶，看著自己家牆內的殘骸讓他留下了深刻印象，讓 Daniel Arsham 對建築有了初步的認識及興趣。
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他是受日本動畫和日本漫畫影響而專注於御宅族文化和生活方式的後現代藝術風格——超扁平（Superflat）運動創始人。其靈感源自眾多古怪的浮世繪藝術家和金田伊功於1983年發布的動畫作品《Harmagedon》。曾獲東京藝術大學頒發BFA、MFA及PhD。1996年他在東京創辦了HIROPON工廠，之後演化成現時的Kaikai Kiki有限公司，一所大型藝術生產的藝術管理公司。他曾於多個世界著名的展覽場地舉行展覽，包括2001年在東京當代藝術館、2002年在倫敦蛇型藝廊、2007年洛杉磯當代藝術館及2008年紐約布魯克林博物館等。2003年他為路易·威登創作出彩色圖案皮具，將其個人藝術事業推至高峰。現時，他為加州大學洛杉磯分校擔任客席教授。
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1974 年出生於大阪的 MADSAKI，過去曾於紐約名校帕森設計學院（Parsons School of Design）就讀建築系，奠定了藝術方面的基底，熱愛自行車的 MADSAKI 爾後在美國居住擔任郵差，直到 2001 年 911 當日被一輛無視紅燈的車撞上失去了工作，貧苦之中對大蘋果背後的真實社會有著深切的體悟，爾後加入以 David Ellis（曾擔任 Geisai 藝術節評審之一） 為首的紐約藝術團隊 Barnstormers 一員，四年的時間中，在學習雕塑與塗鴉的過程重新建立對藝術的認知，堅定以藝術為生的志向，之後便開始使用 MADSAKI 的名字進行藝術創作。
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Gondek 一直以解構的經典卡通人物作為創作主題，通過膾炙人口的卡通人物以分解、骸骨、無眼這樣戲謔暴力的方式呈現出來。他的創作深受 80 年代的動畫、漫畫和電子遊戲所影響。
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James Jean曾被紐約雜誌以美國知名畫家 Maxfield Parrish作為比較，連續5次獲得Eisner Awards (艾斯納獎），是美國DC漫畫封面的畫家亦堪稱為美國當代最著名的插畫家的他，你有可能看過他的作品，但你卻未必認識他到底是誰。
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彼得·多伊格（Peter Doig），1959年出生於蘇格蘭（Scotland）的愛丁堡（Edinburgh），他應當是當今藝術市場上最著名的幾位當代繪畫藝術家之一，其在學術上也普遍受到高度認可。青少年的他其實對於藝術興趣並不濃厚，即使後來進入了溫布頓藝術學院後，也是一直到1981年觀賞了英國皇家學院（Royal College of Art）《繪畫新精神》（A New Spirit in Painting）一展後，始發覺意識到他對於追求繪畫的渴望。他曾強調他就是很喜歡畫畫，並且很想享受當一名畫家。當那時的其他同輩藝術家們正在如火如荼發展各種新媒材、新觀念的運用時，他依舊專注於繪畫：「我不認為我在追逐任何東西，我絕對不是一個『趕時髦的追逐者』（bandwagon chaser）。『我認為這（註：此指「趕時髦」）對藝術家來說是一個很大的錯誤 - 試圖追逐某些東西，並希望成為某種東西的一部分。』 (I think that’s a big mistake for artists — to try to chase something and want to be part of something）」
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賈斯培•瓊斯出生於美國喬治亞州的奧古斯塔，從小便立志成為藝術家，後來到哥倫比亞大學修習美術，之後更前往紐約修習帕爾森設計學院，在紐約的期間認識了羅森伯格（Robert Rauschenberg），另一位美國當代藝術的重要推手。
兩人在初相遇時，便成為彼此生活上及創作上最重要的人，共同經歷了普普藝術的開端以及後來由美國領銜的抽象主義，即便他們後來分道揚鑣，這段期間的緊密關係仍對他們的生涯影響重大。
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美國著名普普藝術大師－羅恩．英格利什，被喻為當代最有影響 力的流行藝術家。1990年代初期，英格利什以專門繪製大型廣告 （Billboard）宣揚反偶像崇拜而聞名，多引用人們熟悉的知名角 色、名作、人物，加以幽默改造。並創造 POPaganda 此一術語， 添加獨特觀點，呈現高、低文化的互相衝擊，現代社會及消費主義 的諷刺現況。
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俸正杰的肖像畫令人回憶起 Warhol 螢幕 上的名人，但它們反映了未來派流行音樂的前景。他的作品受到了宣傳畫形象的影響：她們異乎尋常的膚色、充電式的氣氛，鼓風機吹出的髮型流逸出商品欲望的魅力審美。
俸正杰將西部的種種俗氣比喻為某種意識翻版的現成術語。他的作品經常被看作是對資本主義的批評。他那些有眼無珠的模特兒擺出輕佻和空洞的模型。 他的模特兒既沒有西方女性的特徵，也沒有中國女性的外表，而是商務秀麗的超級混雜 － 全球化以後的科幻品。
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安德列·薩拉華生於瑞典，1985年跟著家人移居巴黎，當時十四歲的他隨即在當地朋友的介紹下接觸街頭藝術，自此經常與友人走到街上到處塗鴉和留下簽名。1990年代中後期，安德列創出「Love Graffiti Project」，專門應客戶的個別要求，於指定地點噴漆上指定的名字或圖案；由於不少法國人熱愛和追求浪漫，因此廣受歡迎用於示愛或者向伴侶表明心跡。
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1978年，赫爾南·巴斯生於美國佛羅里達州邁阿密，Hernan Bas的小幅繪畫作品顯得脆弱而神采飛揚；透過平易近人的作品，藝術家實現了史詩浪漫的人性化。受到歷史題材繪畫作品及同時代影像作品的影響， Hernan Bas 的作品的表現力及親和力令人聯想起經典電影的戲劇化敘述手法。
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Koh Sang Woo於1978年生於韓國，從芝加哥藝術學院畢業，通過使用負片拍攝人物的藍調照片而聞名。
他是一位視覺藝術家，將攝影、表演和繪畫融為一體。不論模特兒的身體裝飾、裝飾花朵和舞動中蝴蝶，都是用畫筆描繪的創作，更是攝影準備的一部分。他所想傳達的情感，可以其負面本質的單純所表現出來，再利用曝光中顏色和光線的變化，使它們產生強烈的視覺和情感衝動。 Sang Woo為我們提供了一個機會，可以從相反的角度看待世界，重新考慮我們看待他人和了解自己的方式。
Emre Namyeter，生於1984年。主要展覽包括土耳其當代藝術伊斯坦堡'19（2019）；“Art market II” -伊斯坦堡Anna Laudel畫廊（2019）；土耳其當代藝術伊斯坦堡'18（2018）；“Odyssey” 伊斯坦堡Pg藝廊（2018）；”Now I see Or Do I?” 伊斯坦堡 Pi 藝術展（2016）；土耳其當代藝術伊斯坦堡'15（2015）； 美國舊金山的111 Minna畫廊（2015）; Not Now-個人展覽，ÇağlaCabaoğlu畫廊，土耳其伊斯坦堡（2014）; Spring Show，Palace of Fine Arts，美國舊金山（2013）。
Emre Namyeter的藝術一直圍繞著一個基本觀念：感知。感知可以定義為每個人透過感官來理解與詮釋其所在環境意義的過程。因此，正是因為有了每個人感知不同，Emre Namyeter才可以用自己的方式，賦予每件事物他自己的理解意義。
Toscani 是一位來自紐約的當代具象派畫家，他的作品參考了畢加索，萊格，馬蒂斯等畫家的作品。藝術家將充滿活力、明快的顏色與現代環境運用在每幅畫中，非常具有現實帶入感。Toscani的作品表達日常生活場景的同時，對死亡率和靈性暗含研究。他的人物敘事既熟悉又似乎在引起人們對日常生活的思考。
艾得佳．普連斯生於西班牙，作品中充斥著塗鴉及卡通的元素，作品經常被與 Javier Calleja相比，畫面中經常利用天真無邪的角色做出看似無害、有趣實際卻是叛逆的行為，使觀眾反思現存社會的規範及系統的不人性。
對曾旅居法國藝術駐村的彭泰仁而言，以創作反應生命的節奏，用藝術創作記錄生命階段的軌跡，畫風的轉變反映彭創作階段心境的轉折。
從南法回台後的第一個展覽 - 「植物·人·肖像」，表現的是當地居民的人文風情，利用植物跟穿透的概念，賦於作品新的生命力。造訪了巴黎、西班牙、義大利等國家，參觀了當地特有的人文活動及藝術參訪，這段時間的經歷，他的作品因此大大轉型，更趨成熟完整。
自幼學習美術出身，不甘於純藝術的正規系統，轉以反叛手法表現其藝術特質。注重無拘的技巧並嘗試混合不同媒材的表現技法，綜合了水泥漆、批土、噴漆，碳粉，舉凡強調存在性的影像擷取、模版的遮檔、轉印技法，Colasa林軒毅的創作，一筆一劃所呈現的，都是來自於街頭的色彩和語言、經年累月的塗鴉歷程。 不斷推陳出新的創意總是令人驚艷。
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1971年生於韓國，碩士主修繪畫，畢業於倫敦皇家藝術學院，倫敦/ 學士主修繪畫，畢業於羅德島設計學院，普羅維登斯。
Sung Nak Hee的作品雖然讓人聯想起戰後傑克遜·波洛克（Jackson Pollock）和其他抽象表現主義畫家的動作繪畫，但在他的繪畫中使用鮮豔的色彩也摻雜了城市流行文化中的塗鴉藝術。 密集使用的螢光丙烯酸塗料的融合創造了豐富的視覺表現力，在當代亞洲藝術的主題中非常獨特。
Park Ji Eun1987年生於韓國，是一位新興的韓國藝術家，在新加坡、韓國和香港都展出了她的作品。 她喜歡旅行，並試圖通過爆發的筆觸和粗糙的黑色曲線來傳達這種經歷的豐富能量。 她還透過選擇作品的素材衝突（中式水墨和韓國紙）來表現對比感，使得她的作品富有渲染力與令人印象深刻。
David Jamin 1970年出生於法國尼姆。 他在法國加萊學習美術，然後在奧帕爾海岸度過了十五年。 2013年，他回到加爾，在烏澤斯建立了自己的工作室。
藝術家作品的核心在於他的形象藝術肖像集：“ Introportraits”，它使我們沉浸在所代表主題的靈魂中。作為人類的畫家，他的畫布明亮，充滿寧靜。
大衛·賈明（David Jamin）的作品在歐洲畫廊和私人收藏家中聞名。 他曾在法國以及英國、中國、美國、韓國和荷蘭展出他的作品。
mr clement 是我作為雕塑家和畫家身份的化名。創作靈感主要來自於漫畫、 古典音樂、雕塑和流行文化等。我的作品結合流行次文化，軟化傳統美術並探索新的溝通平台來呈現我的藝術 作品。企圖嘗試繪製在不同文本作為發展概念，創作可親性高的藝術品，以塗鴉、漫畫及玩具 的形式傳遞訊息。簡單明瞭和樂趣非常重要，我認為需要透過一個更直接、更純粹的觀看方式讓人們去理解藝術作品，並讓觀者產生自己與藝術作品以及世界以外的連結。
Felix認為自己是訊息傳遞者。
他的目標不是要取悅批評家和行家的精英圈子，而是要打動群眾。 Felix的作品並不像謎題般需要推敲藝術家的心情，而是表達了廣泛的主題和主題，絕大多數群眾都可以理解。
Felix曾經說過：“即使將傑作留在黑暗的豪宅中，也只能被作為昂貴的財產所收藏。” 他努力創造不需要維護的藝術作品，避免只有少數人才能看到的創作，為了就是讓更多人的欣賞和啟發而公開分享。 為此，他利用流行的流行藝術和當代藝術的主流技巧，以及對著名藝術品的致敬，來增強訊息傳遞的清晰度。 希望你可以在作品中尋找到共鳴。
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